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感光讲堂第3讲活动花絮
2014/3/17 11:23:36  现代摄影网  韩小宏  

 

2014年3月1日,由上海现代摄影艺术中心主办的感光讲堂迎来了第3堂“敖国兴——决定性非瞬间--当代摄影的另一种可能性”。

 

 

上海现代摄影艺术中心艺术总监叶明文先生用3个词语来介绍敖国兴:厚度、温度、态度;敖老师从事摄影的研究创作工作十几年来,从时间跨度上来说是有厚度的,他的作品《欢乐颂》《乐园》《冬至》通过手工银盐工呈现出的淡暖色调是有温度的,他对摄影传统媒介的探索执着和严谨,在教学中的敬业体现了他的科学态度”

 

 

敖国兴老师在谈到决定性非瞬间话题之前先要说到决定性瞬间。在20世纪,布勒松开创的决定性瞬间是经典摄影美学理论的范本。也成为主流摄影的经典语言如今我们所有初学摄影的人也都经历过决定性瞬间模式的体验,其表达完全依赖于对某一社会现状对其持有态度并借助真实现状进行视觉阐述。比如小型相机的使用、快速抓拍、表现突发事件、呈现现实场景中存在人与事物的瞬间高潮的场面,摄影师具有强烈的社会意识和记录意识。如:罗伯特.弗兰克,李.弗里德兰德,寇德卡、马丁-帕尔等…这些都是我们敬仰摄影大师也都是决定性瞬间这个领域的楷模。

 

敖国兴老师定义的决定性非瞬间当代摄影创作除了记录和见证新闻事件或人物的狭义新闻摄影之外,在这个越来越虚拟的世界中,摄影已经不是单纯地“再现”现实世界,摄影已经到了利用各种手段“模仿”现实世界,杰夫.沃尔,迪曼德的作品探讨虚拟与真实之间的关系,以便更加深入地理解 “真实”的阶段。摄影越发变得更加“主观”,当代摄影已经不仅用来“发现”世界,而更多是用来“解释”世界。 这说明摄影的外延仍在扩展之中,充满着各种可能性不是从物理时间角度出发,去除形式的迷恋,是从纪实叙事外的摄影表达的探讨,,运用什么样的工作方式进行摄影创作,也就是在理性思考为前提下进行再创作的摄影类型注重在表达过程中的思维方式和工作方式分析,不是指怎么去拍摄,基本上采取一种反报道的创作立场,他们放慢拍摄节奏,除了放弃35mm小型相机回归19世纪中叶中大画幅相机和不用相机进行创作,还是指被思维状态所驱使的艺术行为,对摄影表达局限性的探索并尝试如何突破它。摄影术诞生至今170多年历史,我们在表达上无法改变其纪实性,但它还是一个新事物,我们还未了解它的全部意义。对于摄影表达可能性上还在不断探索中,瞬间是摄影本身表达的一种方式,决定性非瞬间也是摄影表达的另一种可能性。

 

敖老师和大家分享在大学期间对摄影的基础研习总在介绍非瞬间摄影表达的可能性上在当代摄影上创作类型很多,敖老师是从自身创作方向及作品探讨非瞬间摄影表达另一种类型。敖老师先介绍了自己在学院学习摄影体验过程,首先介绍了摄影体系的建立和完善的重要性,这个过程最终是与当代摄影创作有着内在的逻辑关系。


敖国兴老师大学和研究生都是毕业于鲁迅美术学院摄影系,鲁迅美术学院是国内艺术院校最早成立摄影专业的艺术院校,也是最早开始与西方艺术院校摄影专业及摄影教育机构进行学术交流的院校。之后1998-2000年在国内出现了中央美术学院与澳大利亚格里菲斯大学昆士兰艺术学院联合举办摄影艺术研究生班对后来的央美摄影系教学及创作影响巨大。

 

 

敖老师和大家分享在大学期间对摄影的基础研习结归为三个方面:描述影像能力、阐述影像能力、评判影像能力。1870年,德国汉堡技术学院化学家沃盖尔成立的摄影化学课是摄影技术史的一个开端,国内在1985年才开始建立摄影技术学。也就是说西方已熟练运用摄影语言进行艺术创作而我们才刚刚开始。

 

当时上学时低年级主要针对摄影技术研习,对于摄影技术的研习越深入越严谨,就越有可能具备成为一名优秀摄影师的一种可能性,也就决定一个摄影师具备描述影像能力的强弱,从而验证后期的摄影创作中的摄影表达能力。阐述影像能力、评判影像能力来自于对于摄影艺术史,艺术史,摄影技术史的深入研习的程度。要储备大量艺术史中经典作品信息,更要具备评价这影像能力,建立自己的创作自觉意识提供准确的艺术史参照。

 

敖老师讲在90年代,决定性瞬间纪实摄影已成为当时主流摄影风潮,要想把“摄影作为艺术”就要走这条路,当时国内的摄影教育主要是侧重纪实叙事,报道摄影的形式美学训练与创作。但在大学三年级的时候,学校出现与国外摄影的学术交流机会,这时必须要提到一位恩师当时摄影系的赵大鹏教授由于他的努力迎来了日本、美国、德国摄影师和摄影艺术教育家到鲁美进行学术讲座和短期教学。他们带来新的观看方式,思维方式和工作方式,突破固有的形式烙印,也带来了新的摄影类型,让学生们开拓了视野,多维度了解摄影还可以这样表达。


敖老师记忆深刻的德国老师带来的卡尔.布劳斯菲尔德,奥古斯特-桑德、贝歇夫妇,杰夫.沃尔,迪曼德等这些大师的拍摄方式的画册并还引导启发我们对固有观看再突破,从非理性到理性的创作方式的思考过程,给学生们对摄影的认识带来了很大的启发。还有当时学校的国外的各感光材料品牌赞助的材料,敖老师作为当时的研究生有机会做很多对影像呈现上的尝试对材料属性认知和深入体验。从国外老师身上发现他们都有一个共通点就是用严谨的态度来做摄影这件事儿。

 

 

其中记忆最深的德国老师托马斯.吕特格有一个关于现代摄影视觉思维的教学案例


纪录摄影阶段:通过技术素养和把控把一个物体原有的形态和结构呈现出来;要求其完整性,这个阶段重要是体现摄影师的态度上
概念摄影阶段:通过个人兴趣和关注点,从物体局部出发表现影像;也是训练你对事物理解的概念,你从创作中怎么深入概念,概念是指思维的概念,观察的概念
形象摄影阶段:关注人与物体与周围环境的关系的创作。从横向纵向去深入挖掘
自由摄影阶段:影像中不再出现物体本身这一载体,而是通过物体产生表达自己的观念。通过主观特殊的影像创作思维,形成自己的摄影观念的主观表现。


四个阶段完成后,最终将所有的作品陈列在一起,从中发现从启发到诱导过程是对摄影表现思维的系统训练,以及当时的学生们还沉迷于快照,街拍以传统纪实叙事方式去创作,突然出现这样的方式进行摄影创作,都感到很新奇,陌生,抽象,需要时间来消化,但对敖老师在以后的摄影创作方式上影响极大。

 


在介绍了学习过程后,敖老师介绍他的一组作品《欢乐颂》创作过程分析。

 

 

2009年一次外出,发现了一个遗弃的游乐园场当时下着小雨无人沉寂空间被眼前的景观所触动,联想到人类为了寻求刺激,寻求陶醉,寻求升华,想出千奇百怪的东西,然后忘我,极乐,短暂的时间后又废弃,消失…..感知当下国内繁华庆典,巨大的喧哗后,最后竟然是一片废墟。那些记忆中曾经有的温度的欢乐,也许变异成另一种“景观”。从而联想到关于“归宿”的主题。


之后诞生创作三个系列作品:游乐场-----乐园-----冬至


整个创作思考方式是从主观---客观;客观---“主观”过程

 

从这个点开始了这个系列作品的创作。创作前期准备并没有出现这个题目。一次偶然的机会听到贝多芬的第九交响乐其席勒的歌词带来灵感确定了“欢乐颂”这个反讽当下的题目。

 

敖老师对于自己的作品的整体思路清晰以及作品创作的初期已经完全构想完成,当思路以见明朗在进入到实施阶段。在创作的过程中,对待每一个细节都以严谨的态度:气候、温度、时间、胶片、光圈速度、色温,药液比例、距离、实验数据,拍摄问题,解决方案。创作的每一个环节都至关重要,最后的作品呈现的气息和每个环节都有内在联系。

 

 


敖老师通过自问自答的方式对作品创作过程进行分析:

 

怎么来拍摄这样的场景?

当时做了多种表现尝试,最后借鉴了贝歇夫妇类型影像的的客观性表现,这种冷静的观看和客观肃穆呈现更具符合作品意涵的表达需要。

 

为什么选择手工黑白,而不是彩色?

主题表达不希望色彩的视觉干扰,需要通过黑白灰来呈现静穆感细化结构,削弱色彩冲击力和纯粹性的画面。注重指示意义和内涵意义的关系。

 

选择什么样的光源来拍摄?

在自然光选择上没有选择主导光源它会产生主观情绪在里面太明显,散射光更赋予它独立客观存在。

 

 

 

为什么选择正方形观看方式?

如果使用4X5,8X10的大型座机呈现的影像品质会更高。透视处理更好,而我选择6X6正方形观看虽涉及到透视的难度但更贴近我内心感触中可以达到一种平稳永恒的观看。我做作品不喜欢后期剪裁,我把画面里的物体当作一个永久性的纪念碑来表现。其实从所谓的永恒观点来说,任何东西都是临时的,包括我们现在所看到的一切,以及我们所谓的历史,以及我们生存的星球和星系。

 

为什么选择黑白胶片手工银盐放大而不选择数字高精度打印?

通过传统胶片摄影方式、通过回到传统材料媒介之中,去建立一种观看方式。我觉得我们过去很少去探寻摄影的媒介、技术、材料、工艺的改变所带给我们摄影观看上的改变,好像很少人从这个角度去研究。大家更多意义上在谈探讨一种影像的文化意义、社会价值、人文道德关怀等。而这些文化意义套在其它的艺术门类上也都成立,那为什么还要通过摄影手段来表达呢?那怎么体现出摄影语言的唯一性,这是值得我们思考的。

 

 

 

之前也通过数码后背尝试拍摄但总感缺少些什么并打印出来也没太显出数字媒介的不一样的属性,总感觉抽离了我关注材料媒介的气息,比如我得另一个系列作品[旁观者1]就是完全数字呈现的因这个媒材根适合,所以这个系列最终选择了传统胶片来拍摄,我也知道很费力费时,但它更接近我想要的结果。例如冲洗配方,经过显影、停止显影、定影、二次定影、水洗、海波清除、二次水洗、最终水洗、晾干、按照标准程序操作完成,才具有真正属于摄影传统的物理稳定和不可替代的影像品质感。这一过程也是摄影作为艺术创作不可或缺的组成部分,对照片最终成为一件艺术品有着决定性的意义。那些由银盐颗粒所组成的简单而又复杂的影调层次,散发着不仅仅属于摄影的魅力还有了人的味道。

 

在后期制作呈现制作展览作品为什么选择1米X1米来呈现?

50X50cm的尺寸呈现会更省时方便,展览业可以了,1米X1米尺度一是能完好的呈现其语言,细节的信息表现主题的指示意义,使观者驻足时间更久些,而带来对作品内涵意义的思考。手工放制1米X1米的画幅,说实话对自己也是一次挑战。

 

 

为什么通过化学和光学处理上一层淡淡的黄色?

当时想起了北野武电影《大逃杀》的最后一幅画面,北野武看着小孩子画面,站起来做广播体操。他注重的不是暴力过程,而是暴力结果。从这看出暴力只是一个外壳,其实表达的是人性,人性里带着一种温暖。这个电影对我触动很大。

 

这温暖是我一直是我们缺失的,开始着手做这方面艺术处理。创作后期制作过程和普通的黑白手工放大影像是不同的,第一步,将一张1米X1米的手工放大的黑白照片达到标准的黑白灰层次之后进行水洗,水洗的时间要把控准确。把一幅影像制作标准只是我作品的第一步,第二步,在影像中制作一个潜在的色彩,这个色彩是之前通过化学和光学的一个实验的结果。在10多年银盐暗房实验的摸索中,把每次实验中一些新的发现和偶然性的数据都记录下来,把偶然性的数据,通过再分析原理再制作成一个标准。无数次的实验也让我看到银盐呈现的多样性。也把自己的温度融入影像和作品中。

 

在这里,敖老师也提出一个问题:我们很多人在没有完全了解银盐成像之后就转到当下数字影像,而对于数字影像又不甚了解,导致虽然我们和国外有着同样的设备,却呈现不出同样的影像效果。银盐胶片材料和数字媒材我们是否真正深入研究其属性及表现?我们还没有很好的研究数字影像这个媒介,造成使用的人太多了,深入研究的人太少了!说到这里,敖老师又谈到了画廊,国内仅有极少数的摄影画廊可以达到一个准确定位,我们希望看到更多画廊把国外顶级的作品(不是国外的作品都是最好的)不管是银盐手工和数字成像作品呈现给我们年轻一代直接观摩,看到影像呈现最好可以达到什么程度,对于我们教学和研究、和摄影技术史的研习都是至关重要的。上海当代博物馆是有计划展出国外系统精致的当代影像作品,定位很准确。北京的泰吉轩画廊,也是个实例,以原作呈现,可以说在中国代替了国外的小型传统摄影博物馆!当下高校摄影系的学生你如果都不知道摄影语言可以表现成多样性,而天天毫无边际观念观念而落不了地,实属憾事。但对摄影史和艺术史的学习也决不能怠慢,那是做当代摄影创作的基石。

 

作品装裱,海报设计,画册设计和作品主题有什么关系?

装裱,海报设计,画册设计和作品主题是在之前就考虑完整的,结果与作品和主题都保持艺术作品的连贯性和完整性。

 

 

 

作品为什么选择带有黑边的方式来呈现?

胶片黑边的呈现方式是一种遗像的存在细节,这也是作品画面的一部分,和主题吻合。

 

敖国兴老师将最近在研究的的当代实验影像的创作方式和部分内容展示给大家:


摄影纪实叙事之外的可能性,把可见事物变成另一种可见的样式,能从多角度,更好地了解、探讨和接近事物的本质和问题的真相。


1,通过时间来表现物体的另一种可能性。经过时间的变化,通过影像媒介呈现弱化物体增强时间性。

 

 

2,观看表达上探索一种可能性,忘掉物体的标签。就如孩童一样,观察物体的本质形态,色彩和动态。

3,光的属性的认识,通过类型学找到对事物共同认知的普遍性,尊重事物的客观规律。

 

 

接下来敖老师介绍了几位非主流的国际当代摄影艺术家,


他们都是踏实严谨的对摄影媒介进行探索的当代非主流的摄影艺术家,是非常值得我们学习的。


克里斯.麦考,用3年的时间拍摄太阳轨迹。自己制作大型相机,使用老镜头选择老相纸。有着丰富的自然科学知识,通常都是春秋两季拍摄,拍摄时间甚至达到24小时。敖老师注重他的工作方式和艺术态度。

 

 


托马斯.鲁夫,是对摄影媒介本身可能性的疯狂探索者,而我们大多都是复制者,致力于探索像影的真实性、客观性和可能性,引领我们用全新的视角去看待摄影的意义。

 

 


亚当.弗斯,通过物影,关注事物的自然性及普遍性和事物客观规律,抽离自我的痕迹,达到客观性和纯粹性。

 

 

 

戴维-格底斯,之前是位科学家,在喜欢摄影之后开始关于水的物质属性的研究拍摄。他对罗兰巴特提出的内涵的意义指示的思考和探索,对于内涵意义提出了新的认识。

 

 

 

 

结合当下摄影师面对当代摄影创作如何找到自己的突破点敖老师将话题引入国内当代摄影艺术的创作现象和问题值得我们思考摄影还是新事物,还有很多可能性要探索。在如今摄影的大环境下,我们可以选择一个自己有优势的关注点形成自己的风格,而非去模仿,去跟风。对于很多不是科班出身的摄影师有可能,缺失摄影文化和摄影史,艺术史的补充。通过摄影史的经典,样式和突破的了解,会对创作有一个新的改变。摄影有很多可能及类型值得我们去了解和挖掘。效仿可以作为一种阶段学习方式,可以寻找一个自己喜欢的大师作为个案分析研究,研究其创作时代背景,艺术家成长背景乃至当时的创作情绪,影像风格线索研究之后再模仿,通过时间慢慢形成自己的风格。

 

 

接下来两个艺术家的案例来说明,每个艺术家应该知道自己的优势和缺憾,在最后通过摄影手段呈现上忽略了摄影语言表达的准确性,

                                                                                                                                                                                               

当下国内多数院校摄影创作处于迷茫状态


学院的摄影教学没有从学术体系出发,没有从摄影的思维训练和理念上进行自主创造性拓展,而是追求当下“实用主义“,对艺术史和摄影史认知浮浅造成学生一直在摄影表面现象做文章。乃至学生的毕业作品只处于盲目模仿,跟风,拷贝获奖成功的作品,出现同学间作品的相似性,还有对影像的呈现上体验的片面性,结果是影像”拙劣“而非深层挖掘其“精致”所在。我所说的“精致”包括多方面。模仿可以作为单元片段课程的作业,但作为4年学习摄影学的毕业生的毕业作品可以说真是不应该。

 

讲座最后敖老师提出一个观点,希望成为当代摄影师的朋友们,对影像呈现技术达到一定层面后可以跳出摄影之外,去了解更多的知识内容包括:社会学,人类学,传播学。心理学,史学,档案学,伦理学,自然科学,政治学,经济学等有一些认知之后,再回来通过摄影媒介再创作,更多知识补给之后,也可以从身份,身体,时间,场所,语言,科学,精神性乃至消费之上的当下等话题入手,其作品会有更好的突破和表现并产生潜在的艺术价值。当代摄影家还有面临的重要使命是,如何能寻找到各种崭新的方法,从而重新界定摄影的含义。

 

敖老师的讲座与我们分享了他对摄影体验过程,和作品创作过程,并介绍了几位非主流当代摄影艺术家,通过他们的作品,和创作希望给大家带来一些改变和影响,让摄影师们从跳出摄影再回归摄影的过程中提升自我,最终创作出更好的摄影作品。

 

 

最后,主持人叶明文老师用“摄影的宽度”,概括了本次讲堂主题:决定性非瞬间--当代摄影的另一种可能性的意义所在。

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